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Significado de la manifestación
Tener una mente creativa nos permite hacer cosas nuevas y emocionantes y comprometernos de una manera que nos lleva un paso más cerca de alcanzar todo nuestro potencial. ¿Hay personas que nacen siendo creativas o es una habilidad que se puede desarrollar como un músculo?
En su libro de 1996 “Creativity: The Work and Lives of 91 Eminent People”, el psicólogo Mihaly Csikszentmihalyi sugirió que, “de todas las actividades humanas, la creatividad es la que más se acerca a proporcionar la plenitud que todos esperamos obtener en nuestras vidas”. Csikszentmihalyi propone que las personas creativas poseen 10 rasgos antitéticos que interactúan entre sí de forma compleja y que repercuten en la creatividad general de cada uno. Incorporar estas prácticas creativas a tu vida diaria puede ayudarte a aumentar tu potencial creativo.
Tener una mente creativa no significa dedicarse siempre a una tarea creativa o artística enfocada. Las personas creativas y artísticas son imaginativas, curiosas y pasan mucho tiempo en reposo, reflexionando tranquilamente sobre los temas que les interesan y dejando que su mente divague.
Cronología de los movimientos artísticos
El arte pop es un movimiento artístico que surgió en la década de 1950 y floreció en la de 1960 en Estados Unidos y Gran Bretaña, inspirándose en fuentes de la cultura popular y comercial. Diferentes culturas y países contribuyeron al movimiento durante las décadas de 1960 y 1970
Surgido a mediados de la década de 1950 en Gran Bretaña y a finales de la misma en Estados Unidos, el arte pop alcanzó su punto álgido en la década de 1960. Comenzó como una revuelta contra los enfoques dominantes del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que debía ser el arte. Los jóvenes artistas sentían que lo que se les enseñaba en la escuela de arte y lo que veían en los museos no tenía nada que ver con sus vidas ni con las cosas que veían a su alrededor cada día. En su lugar, recurrieron a fuentes como las películas de Hollywood, la publicidad, los envases de productos, la música pop y los cómics para obtener sus imágenes.
En 1957, el artista pop Richard Hamilton enumeró las “características del arte pop” en una carta dirigida a sus amigos los arquitectos Peter y Alison Smithson: El arte pop es Popular (diseñado para un público masivo), Transitorio (solución a corto plazo), Prescindible (se olvida fácilmente), De bajo coste, Producido en masa, Joven (dirigido a la juventud), Ingenioso, Sexy, Gimmicky, Glamuroso, Gran negocioLos críticos modernistas estaban horrorizados por el uso que los artistas pop hacían de una temática tan “baja” y por su tratamiento aparentemente acrítico de la misma. De hecho, el pop llevó el arte a nuevos ámbitos temáticos y desarrolló nuevas formas de presentarlo en el arte, y puede considerarse una de las primeras manifestaciones del posmodernismo.
Épocas del arte
En el sentido de las agujas del reloj, desde la parte superior izquierda: un autorretrato de Vincent van Gogh de 1887; una figura de un antepasado femenino de un artista chokwe; un detalle de El nacimiento de Venus (c. 1484-1486) de Sandro Botticelli; y un león shisa de Okinawa
El arte es una gama diversa de actividades humanas, y el producto resultante, que implica el talento creativo o imaginativo que expresa la competencia técnica, la belleza, el poder emocional o las ideas conceptuales[1][2][3].
No existe una definición generalmente aceptada de lo que constituye el arte,[4][5][6] y las ideas han cambiado con el tiempo. Las tres ramas clásicas del arte visual son la pintura, la escultura y la arquitectura[7] El teatro, la danza y otras artes escénicas, así como la literatura, la música, el cine y otros medios de comunicación, como los interactivos, se incluyen en una definición más amplia de las artes[1][8] Hasta el siglo XVII, el arte se refería a cualquier habilidad o maestría y no se diferenciaba de la artesanía o las ciencias. En el uso moderno posterior al siglo XVII, en el que priman las consideraciones estéticas, las bellas artes se separan y distinguen de las habilidades adquiridas en general, como las artes decorativas o aplicadas.
Tipos de arte
La historia del arte suele contarse como una cronología de las obras maestras creadas durante cada civilización. Así, puede enmarcarse como una historia de la alta cultura, personificada por las Maravillas del Mundo. Por otro lado, las expresiones artísticas vernáculas también pueden integrarse en los relatos de la historia del arte, denominadas artes populares o artesanales. Cuanto más se relacione un historiador del arte con estas últimas formas de baja cultura, más probable será que identifique su trabajo como un examen de la cultura visual o de la cultura material, o como una contribución a campos relacionados con la historia del arte, como la antropología o la arqueología. En estos últimos casos, los objetos de arte pueden denominarse artefactos arqueológicos.
El arte prehistórico incluye una amplia gama de arte realizado por las culturas analfabetas, incluyendo algunos de los primeros artefactos humanos. Entre los primeros objetos de arte se encuentran los artefactos decorativos de la Edad de Piedra Media de África[1][2][3] También se han encontrado recipientes de esa época en Sudáfrica que pueden haber sido utilizados para contener pinturas y que datan de hace 100.000 años[4] Las obras de arte prehistórico más conocidas son las grandes pinturas rupestres paleolíticas que representan animales en la Europa continental, en particular las de Lascaux, en la región francesa de Dordoña. Se conocen varios centenares de cuevas decoradas que abarcan el Paleolítico Superior (c. 38.000-12.000 a.C.). Hay ejemplos en Ucrania, Italia y Gran Bretaña, pero la mayoría están en Francia y España. Se han sugerido muchas teorías sobre la finalidad del arte, la más aceptada es que formaba parte de rituales religiosos, posiblemente para evocar el éxito de la caza.